La fotografía ha superado las promesas de la ciencia.
Esto no nos había prometido más que la verdad y nos ha dado la belleza.
El que piense que el objetivo del artista consiste en reproducir el aspecto material de las cosas, imitar la naturaleza, copiar, falsificar, hará mejor en prescindir del arte. La expresión artística es la emoción que produce una sensibilidad capaz de inspirar idealismo. Esto es lo que se llama facultad estética. El arte exige el signo de la mano humana, que se ve palpablemente en la obra. Lo que importa es la comunicación del sentimiento que despierta y excita en nosotros un aspecto de la naturaleza. El conocido fotógrafo P. H. Emerson, afirmó en 1889 que era cosa corriente que los pintores fotografiasen a sus modelos y ampliasen luego las fotografías sobre una pantalla para marcar bien los perfiles sobre ella. Emerson criticaba las exposiciones de aquellos días, en las que se veía que los dibujos hechos con lente fotográfica no eran otra cosa que simples impresiones sobre lienzo o tabla. Emerson residió en Gran Bretaña, escribió de teoría y crítica, organizó y juzgó exposiciones, exhibió y publicó sus imágenes y en marzo de 1886 da una conferencia para la Camera club de Londres en donde anuncia la fotografía como un arte pictórico y ataca el ideal artístico de la época, que era el libro de H. P. Robinson. Criticó no sólo la artificialidad de las poses, sino que también estuvo en contra de lo que se retrata con precisión. Desaprobó todas las intervenciones manuales, hasta el retoque, y defendió la pureza de la imagen directa, no manipulada o sin trucos. Todo lo que aparece en el campo del objetivo de la cámara, el ojo humano no lo ve todo tal y como se presenta ante él, no ve líneas sino manchas, más o menos oscuras, más o menos nítidas: La naturaleza debe ser la distribuidora del artista. Experimentó poniendo ligeramente fuera de foco la lente de la cámara y su trabajo le permitió señalar que ese desenfoque no debía ser llevado hasta el extremo de destruir la estructura del objeto, pues sería perjudicial para la obra, como lo sería también un exceso de nitidez. Nada en la naturaleza tiene un contorno marcado, sino que todo es visto contra el fondo de otra cosa, y sus contornos se difuminan levemente en esa otra cosa, a menudo tan sutilmente que no se llega a distinguir dónde comienza una y dónde termina la otra. En esta mezcla de decisión e indecisión, en ese perder y encontrar, reside todo el encanto y el misterio de la naturaleza. Emerson no se oponía a la idea de dar a la fotografía un lugar dentro del arte, pero consideraba que los métodos utilizados por el fotógrafo tenían que ver con la calidad artística y estaba convencido de que sí era posible crear fotografías de gran belleza, aunque esa belleza sólo se encontrara de manera natural en el mundo real. En 1886 se denominó oficialmente a este tipo de imágenes como fotografía pictorialista y a través de su trabajo, Emerson demostró que con la cámara, además de representar la realidad mejor que en cualquier otro medio, los objetos reales y en su ubicación natural podían proyectar belleza en la imagen y consiguió esa belleza exquisita en sus platinotipos y fotograbados, obteniendo eniendo las imágenes directamente del medio y no con métodos artificiales como los imitadores de la pintura. La palabra pictorialismo proviene de la expresión inglesa pictorial, que es una palabra derivada de la palabra picture, que significa imagen o cuadro y no pintura, que la lengua inglesa traduce como painting. Los términos: ˝fotografía pintoresca˝, ˝fotografía pictórica˝ o ˝pictoricismo˝ resultan inadecuadas. Pintar es representar primero con líneas y después cubrir con una capa de pintura la superficie de las cosas, plasmar una idea o sentimiento, con el uso de los colores; es decir que ˝pictórico˝ es todo lo adecuado para ser representado únicamente en pintura. En cambio, lo que hace la cámara fotográfica en este caso es dibujar y según Charles Blanc, director de la Gazette des Beaux-Arts, dibujar, no es simple imitación, no es una copia que se limita a ajustarse al original, no es una reproducción inherente. El dibujo es expresión del espíritu, de un pensamiento, de un sentimiento, y es superior a la verdad literal. En el texto de 1926 de Rafael Areñas, fotógrafo de reconocido prestigio en la época, establece la diferencia entre fotografía clásica y fotografía pictorial que algunos historiadores —sobre todo Newhall y Gernsheim— usan como fotografía artística, arte fotográfico o fotografía de arte. Pronto comenzaron a destacar figuras en el ambiente de la fotografía artística: Robert Demachy, Frederik H. Evans, Eduard Steichen, el Barón Adolph De Meyer, Gertrude Käsebier y Alvin Langdon Coburn, entre otros. En 1887, en Viena, el Barón Alfred von Liebig mostró algunos fotograbados de Emerson a los miembros de un club de fotógrafos, siendo la primera vez que se les ofrecía una serie de fotografías tan originales a quienes apreciaban el arte. Estas imágenes representaban objetos comunes, pero poseían un carácter interpretativo innovador por el manejo de la técnica. arbón, debido a la precisión que alcanza en la perspectiva. Asimismo, admitió que la fotografía era inferior a la pintura sólo porque carecía de color y exactas relaciones de tonos. Le gustaba trabajar con una cámara grande o del tamaño de una placa completa, un trípode y una lente de distancia focal grande, ya que para él era muy importante la ampliación y no veía relación entre el tamaño y la calidad. Revelaba los negativos el mismo día en que eran obtenidos, pues decía que es mejor tener fresca la impresión mental de lo que se pretende obtener. Emerson también desaprobaba la técnica del retoque porque argumentaba que la fotografía se convertía en un mal dibujo y, por el contrario, le agradaban la delicadeza y los tonos suaves. Con sus investigaciones sobre percepción dedujo que nuestro campo de visión no es uniforme, pues la zona central queda claramente definida, en tanto que los márgenes son más o menos difusos. Así, el foco o enfoque que comenzó a practicarse en esta época fue denominado foco naturalista, que significaba más bien un desenfoque, un borrón o una niebla. Emerson tuvo que combatir intelectualmente a los fotógrafos que se empeñaban en imitar a la pintura y para diferenciarla de lo que Henry Peach Robinson definió como Pictorial Effect in Photography, llamó a su propio estilo Naturalistic Photography. Publicó siete álbumes con imágenes borrosas, para las cuales utilizó pruebas al platino y el heliograbado que daban resultados más delicados que los experimentados por Niépce. Su obra titulada Naturalistic Photography es enviada a todos los fotógrafos de Gran Bretaña, lo cual no es del agrado de los pintores, así bajo la influencia de James McNeill Whistler (pintor impresionista que presuponía que era posible suscitar en el espectador una expresión emocional, mediante el espectro de los sentimientos humanos que se podían expresar en tonos de luz o sombra), le demostró que había confundido el arte con la naturaleza. Esto fue la muerte de la fotografía naturalista. Así es como Emerson después de haber afirmado que la imagen flou correspondía a la visión normal y superaba a todas las formas artísticas, reniega de sus teorías tratando de impostores a los fotógrafos impresionistas. Influido al principio por pintores británicos como Turner y Whistler, y publica en 1890, en forma de nota necrológica un folleto: Death of naturalistic photography (Muerte de la fotografía naturalista). Emerson perdió toda credibilidad de parte de sus seguidores y en 1891 renunció a todo lo que había declarado con tanta pasión, pero otro golpe para la fotografía naturalista fue la conclusión de H. P. Robinson, quien postuló que unos ojos humanos saludables nunca verán fuera de foco parte alguna de una escena. En 1898 The Naturalistic Photography con el título: Photography a Pictorial Art (Fotografía un arte pictorialista), se transforma en Photography Nonart (La fotografía no es arte). Así es como Emerson después de haber afirmado que la imagen flou correspondía a la visión normal y superaba a todas las formas artísticas, reniega de sus teorías tratando de impostores a los fotógrafos impresionistas. Influido al principio por pintores británicos como Turner y Whistler, y publica en 1890, en forma de nota necrológica un folleto: Death of naturalistic. Es decir que abundaban los aficionados a la máquina, pero eran contados los que sabían interpretar los secretos de la luz y de la forma. Se descubrieron imágenes hechas por aficionados verdaderamente artistas y no profanadores del arte, como los llamaba Ibsen. Importantes periódicos extranjeros publicaban a diario muestras verdaderamente prodigiosas de bellezas fotográficas como las imágenes creadas por el médico, Peter Henry Emerson (1856-1936), las cuales eran de tal sutileza, originalidad y dignas de ser clasificadas como fotografías de arte. El dibujante John Ruskin, en 1842, descubrió a Turner, y describe la impresión que le causó su obra como: un estilo lineal y superficial. Este dibujante había encontrado una manera de superar las obras de los maestros de épocas pasadas, además, defiende el uso de material fotográfico. En 1868, Ruskin reveló sus nuevas preferencias por un estilo artístico que tuviera más en común con los últimos cuadros de Turner que con la representación artísa ideal de los prerrafaelistas. Este cambio en su concepto de la naturaleza se debía sin la menor duda a la aparición de la fotografía y a sus inevitables efectos. ¡Qué irónico es esto! Sin que Ruskin lo sospechase, el mismo Turner había consultado fotografías en sus últimos años en busca, probablemente, de idénticos efectos luminosos. Antes, cuando aún se mantenía fiel a los imperativos del naturalismo puro y duro y trataba de reconciliar a Turner con la mirada objetiva, Ruskin quiso mostrar la veracidad topográfica de los dibujos de Turner comparándolos con fotografías. Y reconoció, como cosa evidente, que la visión de Turner era superior a la de la lente: Una fotografía delicadamente tomada de un auténico tema turneriano resulta mucho más semejante a Turner en cuanto al dibujo que a la obra de cualquier otro artista. En cuanto a la ideología de Whistler con respecto a la fotografía y el arte, declara en 1878 que si el hombre que pinta solamente un árbol, o una flor, o cualquier otra superficie que ve ante sus ojos, fuese un artista, el rey de los artistas sería el fotógrafo. Es el artista a quien corresponde hacer algo que vaya más allá de la simple imitación: cuando se trata de pintar retratos, hay que poner en el lienzo algo más que el rostro que el modelo ha puesto ese día; hay que pintar al hombre, en una palabra, además de sus facciones; y, en la disposición de los colores, hay que usar la flor como clave, no como modelo˝. La declaración que hizo Whistler a Emerson de que había confundido el arte con la naturaleza, fue hecha porque aún no había comprendido que el fotógrafo también podía ser capaz de imprimir en sus imágenes algo más que la simple representación de la realidad y lo cierto es que ˝el credo de Emerson, que en gran parte arrancaba de una peculiar y apresurada forma de entender la historia y la naturaleza del arte, queda reflejado en su obra Natural Photography, publicada en 1889, que constituye su principal aportación teórica, en donde influyeron en él las últimas teorías del color y los hallazgos de la pintura francesa, particularmente la obra de Courbet y Millet. En las primeras obras de Emerson se puede observar cómo a Millet le debe en parte la distribución de luces y sombras y una gran inventiva para la composición. Sin embargo, el naturalismo al que aspiraban los pintores impresionistas, su devoción por la pintura del natural, su constante insistencia en la visión objetiva y su deseo de plasmar el carácter transitorio de luz y sombra, se resumía en extremismo perceptivo muy relacionado con la fotografía misma, y no requería copiar de fotografías, por eso es probable que estos pintores, por interés propio, examinaran con gran atención las obras de los fotógrafos de su tiempo. Asimismo para Emerson, el arte sincero supone una respuesta precisa y sensible a los acontecimientos naturales. El potencial cromático de la pintura era insuperable, pero la fotografía, por su fidelidad absoluta a las líneas y a los valores tonales, constituía según él un medio de expresión artística inigualable. De la imagen oscura inventada poco después por Emerson, devino el elemento clave del estilo de The Photo-Secession; aunque Emerson era contrario a las écnicas de positivado con pigmentos, pero su mayor valor reside en su modernidad y abstracción. Todo esto llevó a Emerson a la curiosa conclusión de que la fotografía, por ser un proceso puramente mecánico, no podía aspirar a la categoría de arte, porque la fotografía no podía alterar los valores tonales mediante un acto de puro deseo estético. En 1890, Charles Driffield y Ferdinand Hurter publicaron investigaciones sobre la luz, la exposición, la sensibilidad de la emulsión y el revelado, estableciendo las bases de lo que hoy conocemos como sensitometría. Estos trabajos terminaron definitivamente con todo aquello que había sustentado Emerson finalmente. Esto fue el fin de la fotografía pictorialista, la cual se desarrolló cuando el arte se valoraba por la exposición de las fantasías y deseos imaginarios del artista. En la etapa del impresionismo, en donde los pintores representaban el mundo como un perfeccionamiento de la tosca realidad o como una reanimación de la vida gris y pensaban en su propio yo como materia prima para sus creaciones, puesto que la actividad artística no sólo es una compensación por el goce perdido de la vida, sino que es además incompatible con este goce. El arte es una leyenda y no una reproducción de la existencia, la expresión y no la posesión de la realidad. Por eso, tanto los pintores impresionistas como los primeros artistas fotógrafos representaban la realidad como ellos la querían ver. La realidad vista como en un sueño, nebuloso, desleído o difuso y con la idea de que las fuentes de la creación artística se encuentran en lo profundo del alma, en esa región oscura, en esa parte misteriosa, angustiosa y fascinadora, como lo son los sueños. Los creadores artísticos de este tiempo eran las víctimas más desamparadas de la nueva sociedad burguesa. Y un individuo lleno del sentido de la seguridad y del éxito que se abre ante él está siempre mucho más dispuesto a responder a las exigencias sociales y a renunciar a sus reacciones instintivas, que un individuo insatisfecho de la vida y ávido de reconocimiento, dispuesto contra lo público y social. En esta época Baudelaire se dirije a la burguesía: "vosotros poseéis el gobierno de la ciudad, y eso es justo, pues sois la fuerza. Pero es necesario que seáis capaces de sentir la belleza; pues ninguno de vosotros puede hoy prescindir del poder, nadie tiene el derecho a prescindir de la poesía. Podríais vivir sin pan; sin poesía, nunca". Es decir que, los artistas tenían que combatir contra la crítica de la sociedad, pero los fotógrafos, además de ello, tenían que demostrarle a esos artistas el valor artístico de sus fotografías. Posteriormente un importante sector de fotógrafos se elevó contra la decadencia de la fotografía. Algunos imitaron estrictamente la pintura y buscaron entre las obras más reconocidas su fuente de inspiración, así surgieron imitadores de Daumier, Böcklin, Rembrandt, Franz Hals, Van Dyck y Gainsborough.
Graciela Mejía González
Ver: La especulación pura de lo sublime http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/la-especulacion-pura-de-lo-sublime.html
Prodigiosas bellezas fotográficas http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/prodigiosas-bellezas-fotograficas.html
Una imagen imprecisa o de aspecto flou http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/una-imagen-imprecisa-o-de-aspecto-flou.html
Nace un arte nuevo http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/nace-un-arte-nuevo.html
Camera and pencil http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/camera-and-pencil.html
La fotografía nace del cuadro http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/la-fotografia-nace-del-cuadro.html
La ilusión pictórica se fragmentó http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/la-ilusion-pictorica-se-fragmento.html
La sugestión de un instante http://vieliteraire.blogspot.mx/2013/05/la-sugestion-de-un-instante.html
Las heridas del tiempo http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/las-heridas-del-tiempo.html
El tiempo destructor inexorable http://vieliteraire.blogspot.mx/2011/12/el-tiempo-destructor-inexorable.html
